Presentación de la voz geométrica (Música, Teoría, Voz Que Conduce)

Ehab Selim preguntó.

Siempre he tenido dificultades para entender este tema en el papel y en la práctica, sobre todo porque soy un guitarrista que utiliza más el oído y el tacto para componer en general.
Sólo recientemente he leído un artículo sobre la presentación de la progresión de los grados de escala tanto en el Círculo Cromático como en el Círculo de Quintas como formas geométricas como triángulos y trapezoides, y realmente tuvo mucho sentido para mí.Empecé a analizar las progresiones de acordes en ambos círculos y sólo noté la diferencia entre ellos y la forma de representar las formas. Ahora tengo estas preguntas:

  1. ¿Es esta una buena manera de entender el tema o no? Si no, ¿cuál es la mejor manera?
  2. ¿Cuál es la diferencia en la práctica entre los dos círculos?

Gracias por las respuestas

Comentarios

  • ¿Puedes poner un enlace al artículo? –  > Por Randy Zeitman.
  • Técnicamente, la conducción de la voz, es un tema de contrapunto, mientras que el círculo de quinta es un tema de armonía. Ambos temas se solapan, pero creo que probablemente te interese la armonía y respondiste en consecuencia. –  > Por Michael Curtis.
2 respuestas
Michael Curtis

Estos son los diagramas geométricos que he visto…

¿Es una buena forma de entender el tema o no? Si no, ¿cuál es la mejor manera?

Supongo que se trata de preferencias personales y del nivel de aversión de cada uno a la notación de pentagramas. Personalmente, no me ayudan a conocer la forma de los acordes en el piano y no me ayudan a leer la notación, así que no los encuentro útiles. La otra gran problema que veo es que las etiquetas del conjunto de diagramas ‘cromático’ y ‘círculo de quintas’ parecen confundir el armónico diferencia de la progresión cromática de círculo de quintas y una diatónica de quintas diatónicas.

En los diagramas, la diferencia se refiere únicamente al orden de los tonos que recorren el círculo. El resultado final son formas diferentes que mantienen las mismas cualidades simétricas/asimétricas. Pero el conjunto de diagramas etiquetado como «cromático» muestra una diatónica progresión diatónica. No es no armónicamente una progresión cromática.

…Círculo cromático y el círculo de quintas [diatónico] …¿Cuál es la diferencia…?

Voy a seguir explicando la armónico armónica, porque esto es lo importante musicalmente.

Ambos son secuencias armónicas que es cuando se repite un patrón de dos acordes pero las repeticiones transponen los acordes hacia arriba o hacia abajo ya sea diatónica o cromáticamente. En concreto, el círculo de quintas es un patrón de dos acordes de progresión de raíz por quinta descendente que luego se transpone un paso hacia abajo. Veamos la notación. Los acordes se pueden expresar de muchas maneras diferentes, pero aquí hay algunos ejemplos básicos de la posición de la raíz:

Círculo diatónico de quintas

  • Observe que en el bajo F a B es una cuarta aumentada (se invierte a una quinta disminuida). Todas las progresiones de raíz son por quintas, pero no todas son quintas perfectas.
  • No se utilizan alteraciones, todos los acordes provienen de la misma tonalidad (C mayor en el ejemplo)
  • se utilizan varias calidades de acordes: 7ª mayor, 7ª menor, 7ª dominante, etc.

Círculo cromático de quintas

  • Todas las progresiones de bajo son de quinta perfecta.
  • Se utilizan las quintas perfectas porque 1) una línea de bajo de todas las quintas perfectas acaba saliendo de las notas diatónicas de una tonalidad. Verás la diferencia en el punto en el que F pasa a B en el bajo. Cuando es diatónica no hay accidentales. Cuando es cromática se usan accidentales como F# a B 2) todos los acordes son de la misma calidad (séptimas de dominante) los acordes no se dan así diatónicamente por lo que debemos utilizar grafías cromáticas.
  • En una progresión de círculo cromático no usamos necesariamente todas las séptimas de dominante. Podrían ser todas séptimas menores o una variedad de otros tipos de acordes. El punto importante es que no es el conjunto de acordes diatónicos y por lo tanto será cromático.

¿Cuál es la diferencia en la práctica entre los dos círculos?

Con un círculo de quintas diatónico completo, la armonía termina justo donde empezó, en cierto sentido es estática, porque no va a ningún sitio nuevo, en realidad sólo prolonga una frase en la tonalidad. He aquí un famoso ejemplo de Mozart (se utiliza el F# porque la música cambió de tonalidad de C a G mayor, pero dentro de la G mayor los acordes son todos diatónicos y sólo van de G a G.)

Las secuencias también se utilizan para desarrollar un motivo tocándolo sobre muchas armonías. Aquí hay una de Bach en menor donde se desarrolla una figura de tono vecino en terceras y sextas.

Otra práctica es hacer un pequeño cambio cromático al final de un círculo diatónico para entrar en una nueva tonalidad. Aquí empezamos en C mayor, pero luego cambiamos dm7 a D7 que nos lleva a la tonalidad G mayor:

Por supuesto, un círculo cromático más largo puede utilizarse para cambiar de tonalidad. Pero -cambiando de estilo, desde el clásico hasta el jazz- es común ver una porción corta del círculo cromático utilizada para otro propósito: el «giro» al final de una canción. Cuando un círculo de quintas se inserta en otras secciones de una canción, a veces se denomina «vuelta de tuerca».

Así que una recapitulación de algunos rasgos y usos comunes es:

  • progresión de la raíz del acorde por quintas, diatónica o cromática
  • calidades de acordes contrastantes o similares
  • se puede utilizar la secuencia completa o un segmento truncado
  • puede conducir a un cambio de tonalidad
  • puede prolongar un enunciado en una tonalidad
  • puede desarrollar un motivo
  • puede utilizarse para un «giro» o un «regreso» en el pop o el jazz

DriveItLikeYouStoleIt

Tengo experiencia en el piano (de jazz), pero he trabajado mucho con las voces y creo que mi respuesta puede ayudar.

Pienso en los voice leadings como la progresión de las armonías (es decir, las notas interiores de un acorde).

  • La melodía ya está definida
  • La línea de bajo también está bastante bien definida
  • Las notas que componen el resto del acorde son más fluidas, especialmente en el jazz, y una consideración importante a la hora de componer.

Dices que buscas «reglas»… ciertamente hay convenciones sobre lo que suena suave y lo que no. Una regla general es no hacer nada que no suene suave por accidente: ¡asegúrate de que lo haces a propósito! Si no es así, escoge arreglos suaves. Además, el sonido más suave suele ser cuando las notas del acorde interior se mueven en cualquier dirección un paso entero como máximo, y un tono de escala cuando se mantiene en la misma tonalidad.

El círculo de 5ª es, de hecho, un buen ejemplo porque la progresión V-I es quizás la más común y es fácil tener una voz suave liderando. Estoy asumiendo que sabes algo de piano aquí para fines ilustrativos – tendrás que hacer la gimnasia mental para ver cómo esto se aplica a los acordes de guitarra. Utilizo las séptimas porque ayudan a ilustrarlo mejor, pero los mismos principios se aplican incluso a las tríadas.

Consideremos un simple acorde G7 es G-B-D-F, que se resuelve en Cmaj7 C-E-G-B.

La sensación de potencia de la resolución aquí proviene del tritono disonante de G7 B-F tritono.

Suave conducción de la voz (misma tonalidad):

  • Si mueves el trígono B-F hacia adentro un tono de la escala, se obtiene C-E.
  • En este ejemplo esencial, ambas notas tienen un suavidad en la conducción de la voz y esto sonará como el final de una sección o de toda la pieza.
  • Tenga en cuenta que si su inversión tiene el tritono dispuesto como F-B, , entonces las notas se resuelven aparte de la otra a E-C.

Una dirección de voz menos suave (pero no necesariamente indeseable):

  • B-F => B-E (resolución menos potente, pero todavía muy vainilla)
  • B-F => C-G (no resalta la resolución, suena vacío sin la 3ª)

No tan suave (a menudo salta más de un tono de escala)

  • B-F => G-C
  • B-F =>E-C`

Suavidad en la conducción de la voz (nueva tonalidad)

Si está cambiando de tonalidad, entonces no se aplicará el «tono de escala», pero utilice el concepto mencionado anteriormente sobre el movimiento de las notas, ya sea un medio paso o un paso entero. En este ejemplo, vamos a pasar de Cmaj7 a Ebmaj7

  • G es una nota común entre los acordes, no necesita moverse
  • Así que mi conducción más suave sería E-B a D-B♭. Esto es asumiendo que el bajo está tocando E♭, por lo que no es necesario repetirlo y en su lugar resaltar la nueva 7ª mayor (Re).

Conclusión

Así que todo esto es para decir que las progresiones de acordes normales y de uso frecuente tienen incorporados leadings de voz suaves para aprovechar, y otras progresiones de acordes ciertamente pueden tener leadings suaves, pero podría tomar algún pensamiento. (Una vez más, esto es sólo una línea de base para la teoría básica – de vez en cuando debe romper estos a propósito con el fin de lograr el sonido que desea):

  • La conducción de la voz se refiere a la relación entre las notas internas de los acordes que están al lado de los otros en las progresiones
  • No hagas grandes saltos, limítate a medios pasos y pasos enteros
  • No cambie el número de voicings entre los acordes (es decir, añadir una nueva nota o quitar una)

Espero que te haya servido de ayuda, no quería escribir demasiado pero es difícil de explicar en texto.